Названа самая популярная песня в мире: 5 самых известных мировых хитов на все времена

Революция Run-D.M.C.

27 марта 1984 года группа Run-D.M.C. выпустила свой дебютный релиз под названием Run-D.M.C., который изменил хип-хоп навсегда. На смену лёгкому фанковому звучанию пришел агрессивный речитатив с простыми битами. После выхода релиза появилась четкая грань между старой и новой школами рэпа.

Run-D.M.C. стали настоящими первопроходцами хип-хопа. До их релиза ни одна пластинка в этом жанре не получала в США золотую сертификацию (за 500 тысяч проданных копий). Sucker M.C.`s стал одним из первых диссов в истории, It`s Like That — первой песней в стиле хардкор-рэп, а Rock Box — первым треком в стиле рок-рэп.

Музыканты также отказались от обтягивающих кожаных костюмов, шляп со стразами и прочих диско-атрибутов, популярных тогда у рэп-исполнителей. Вместо этого они надевали кожаные куртки и джинсы, а белые кеды «Адидас» без шнурков стали одной из главных фишек коллектива. Благодаря Run-D.M.C. уличный стиль стал главным для всех поклонников хип-хопа на следующие десятилетия.

21 век

21 начался со своеобразного кризиса в рок-музыке: если в прошлом столетии новые жанры возникали чуть ли не каждый год, то с 2000 по 2009 не было создано ни одного свежего стиля.

Зато возрождались старые жанры альтернативного рока — брит-поп, панк, глэм и другие. Из-за этого многие популярные в прошлом группы собрались в классических составах и откатали концертные программы по всему миру.

Некоторое торможение в развитии жанра легко объяснить: если раньше именно рок был музыкой подросткового бунта, то сейчас ему на смену пришел хип-хоп. Всё больше людей находит отражение своих мыслей в строчках рэперов.

Тем не менее, для рока еще не всё потеряно. Гитарное звучание на территории СНГ снова становится популярным благодаря стараниям многих исполнителей. Например, Кириллу Бледному («Пошлая Молли») и Доре.

1921

Сюита (соч. 25) и Вальс (соч. 23, № 5) Шёнберга

Арнольд Шёнберг. Фотография 1924 года

Это первые экспериментальные сочинения, написанные Шёнбергом в изобретенной им технике . (Предыдущие пьесы цикла, соч. 23, представляют собой своеобразные эскизы в разных атональных или внетональных техниках, часто даже более изощренных.) Фактически это вторая после атональности «изобретенная» техника. Остальные складывались как бы сами, но их «утверждали» (Филипп де Витри, Винчентино, Царлино, Рамо и другие). Шёнбергу удалось довести атональные поиски до конца.

Оба сочинения появились в печати в 1923–1924 годах: пьесы, соч. 23, духовой квинтет, соч. 24 и фортепианная сюита, соч. 25 — одновременно с авторским описанием додекафонного метода сочинения.

Сюита для фортепиано (соч. 25) Арнольда Шёнберга Пять пьес для фортепиано (соч. 23, № 5) Арнольда Шёнберга

Люди как птицы

На самом деле не были правы ни идеалисты, ни материалисты, причем последние ошибались даже больше, чем первые.

Музыка нравится людям по одной-единственной причине: мы принадлежим к видам, для которых звуковые сигналы играют важную роль в жизни, а ритмичность этих сигналов, их тональность всегда были для нас способом передачи информации от особи к особи. Иначе говоря, человеческий язык начался не со слов в современном их понимании, а с пения, с передачи эмоций и смыслов тональностью и ритмом.

Пожалуй, первым об этом догадался Чарльз Дарвин, который в 1871 году написал буквально следующее: «Звуки, издаваемые птицами, в некотором отношении имеют чрезвычайное сходство с языком… Язык может восходить к пению, которое могло дать начало словам, выражающим различные сложные эмоции».

Сегодня это предположение Дарвина считается совершенно верным. В прошлом году Массачусетский технологический университет (США) представил обширное исследование, подтверждающее эту гипотезу.

Сигеру Мигаява, ведущий автор проекта, указывает, что лишь 70–80 тысяч лет назад наши предки начали осваивать лексическую составляющую речи, вводя это новшество в привычные мотивы. До тех пор мы не говорили, а распевали, как ангелы в раю.

Наши голосовые связки и речевой аппарат — один из сложнейших музыкальных инструментов в природе — убедительно свидетельствуют, что человек существо поющее. И до сих пор интонации для нас имеют большее значение, чем смысл слов (будь это не так, у сарказма не было бы ни малейших шансов на выживание).

Удивление, грусть, радость, страх, мольба — практически любую эмоцию человек может донести до другого, вне зависимости от того, на каких языках они при этом говорят. На самую древнюю форму речи проклятие Вавилонской башни не распространилось. Более того, другие групповые животные или животные-синантропы тоже могут донести до нас свои переживания.

При некоторой тренировке мы распознаем и грусть в мычании коровы, и недовольство в кошачьем мяуканье, и восторг в собачьем лае. А вот чтобы понять, что не так, например, с вомбатом, нам придется щупать ему нос и пихать в попу градусник. Потому что вомбат как животное, прямо скажем, антисоциальное, не сумеет исполнить нам арию о своих страданиях. Не обучен-с.

Вот еще пять любопытных фактов, связанных с тем, что петь мы начали раньше, чем говорить.

Мы легко запоминаем ритмический текст (песни и стихи помним намного лучше и дольше, чем прозу).
Даже профессиональная аудитория воспринимает интонации оратора лучше, чем сказанные им слова. Проводились эксперименты, когда перед профессиональными собраниями (медиков, филологов и др.) выступал актер, живо и эмоционально произносивший в целом бессмысленный текст с несуществующими терминами. Лишь 5–10% аудитории участников смогли распознать подделку, остальные при анкетировании высоко оценили выступление.
Заики практически не заикаются, когда поют.
50% звуков, издаваемых матерями, занимающимися с новорожденными, лишены лексического значения (все эти «уси-пуси», «ню-ню», «плюти-плюти-плюти-плют»). Зато интонационная окраска этих сюсюканий чрезвычайно вариативна и обильна, ведь ребенку с точки зрения эволюционной программы матери важнее всего первым делом обучиться распознавать эмоции других членов группы.
Люди с хорошим музыкальным слухом обычно эмоциональнее, чувствительнее людей, которым медведи по ушам как следует прогулялись. Знаменитые певцы, музыканты и поэты куда чаще были невротиками и истериками, чем, например, писатели, ученые и военачальники.

1954

Пьеса «4’33’’» Джона Кейджа

Джон Кейдж. 1982 год

Пьеса «4’33’’» положила начало исследованию границ музыкального. Во время исполнения Сочинение для вольного состава инструментов. Длительность произведения соответствует его названию. На всем протяжении его исполнения участники ансамбля не извлекают звуков из своих инструментов. сочинения все посторонние и случайные шумы становятся, таким образом, составной частью музыкального произведения. В этом отличие эксперимента Кейджа от более ранних опытов такого же рода, так как они не предполагали таких концептуальных рамок. С другой стороны, именно это сочинение, которое часто считают «пределом музыки», явилось отправной точкой для многих композиторов, превративших тишину или паузу в равноправный со звуком акустический «стройматериал». Это относится к Луиджи Ноно (особенно в позднем творчестве) и его ученику, патриарху авангарда 60–70-х Хельмуту Лахенману, а также к многочисленным авторам, работающим на грани слышимого и неслышимого (например, Сальваторе Шаррино).

Пианист Уильям Маркс играет сочинение Джона Кейджа «4’33’’»

Последние статьи

Новая первая леди Великобритании: Кто такая Кэрри Саймондс, которую премьер Джонсон привёл на на Даунинг-стрит ещё до свадьбы сегодня, 13:10

Какие украшения носят Ретана Литвинова, Анна Курниковa и другие российские знаменитости сегодня, 11:30
О чём сожалеет Тамара Гвердцители: Потерянное счастье и человек, ради которого стоит жить сегодня, 10:15

Как «Машина времени» изменила судьбу исполнителя хита «Чужая свадьба» Андрея Державина, и где сегодня кумир 1990-х сегодня, 08:56

Кто такой Барабашка и чем он был знаменит в СССР 19.09.2021, 23:26
12 свадебных фотографий-победителей конкурса: Самые трогательные моменты со всего мира 19.09.2021, 19:25
6 знаменитостей, которые отказались от пластики и решили стареть естественно 19.09.2021, 17:46
Как парикмахерша Мари Лаво стала «Королевой Вуду» и из тени управляла всем Новым Орлеаном 19.09.2021, 16:48

За что в России обожают молодых китайских актёров: 5 самых красивых и талантливых знаменитостей из Поднебесной 19.09.2021, 15:07

16 интересных идей, которые реализованы в Южной Корее и вполне пригодились бы россиянам 19.09.2021, 13:03

Все статьи

Первая половина 60-х

Доминирование американцев прекратилось после появления нового направления рока — бит-музыка. Самым ярким представителем стиля стала группа The Beatles.

29 ноября 1963 года «битлы» выпустили песню I Want to Hold Your Hand и положили начало «британскому вторжению» — периоду, когда британская рок-музыка стала доминировать во всех международных чартах. Помимо The Beatles во «вторжении» участвовали такие коллективы как The Zombies, The Who, The Yardbirds и еще с десяток групп.

Популярность The Beatles достигла таких масштабов, что скоро в СМИ придумали термин «битломания», которым описывали всё то сумасшествие, которое творилось среди фанатов при виде исполнителей. Во время турне группа посетила Австралию, так в аэропорту их ждали около 300 тысяч поклонников — этот рекорд до сих пор никто не побил. Можно представить, что творилось на концертах.

«Людской шум забивал нас напрочь. В конце концов, я стал играть только слабую долю вместо постоянного бита. Всё равно я не слышал себя, несмотря ни на какие усилители. В залах мы то и дело стояли слишком далеко друг от друга. Живьём мы исполняли наши вещи гораздо быстрее, чем на пластинках, главным образом потому, что сами себя не слышали. Иногда я вступал не вовремя, потому что сплошь и рядом не представлял, какое место мы играем. Доходило до того, что мы притворялись, будто поём, особенно если першило в горле», — рассказал позже Ринго Старр, член «Великолепной четвёрки».

The Beatles стали настоящими революционерами жанра. До них в группах обычно был один яркий персонаж, а остальные — на втором плане. У «Битлз» всё было по-другому: вся четверка была невероятно харизматичной, и никто не перетягивал одеяло на себя.

Отдельно стоит отметить группу The Rolling Stones. Если у «Битлз» был образ хороших парней, то The Rolling Stones взяли образ настоящих хулиганов

Так менеджер коллектива хотел привлечь внимание публики, которой не нравились The Beatles — и у него получилось

До группы The Yardbirds большая часть внимания поклонников доставалась вокалистам. Ситуация изменилась, когда в коллективе друг друга стали сменять одни из самых талантливых соло-гитаристов тех лет: Эрик Клэптон, Джефф Бек и Джимми Пейдж. Они стали первым поколением «гитарных героев» — музыкантов, которые стали превзошли популярностью певцов.

4 августа 1964 года The Kinks выпустили песню You Really Got Me и положили начало «тяжелой музыки». В песне впервые использовались соло прифузованной гитары и грубый гитарный рифф. Также благодаря музыке появилась субкультура модов, богатых молодых британцев, которые были одержимы всем новым.

Но главными вдохновителями модов были The Who. Ребята привлекали молодежь своими агрессивными песнями и выходками на сцене — их гитарист первым стал ломать инструмент во время выступлений.

Американские исполнители во время «британского вторжения» хоть и уступали своим заокеанским коллегам, но их музыка также развивалась. В США в это время появился фолк-рок, главным представителем которого был Боб Дилан. В своих песнях он затрагивал множество тем — от любви до политики, поэтому у музыканта была широкая фанатская аудитория.

Одновременно с той музыкой, которая попадала в чарты и играла на радио, развивался андеграунд — гаражный рок. Представители обычно действительно репетировали и записывались в гаражах, качество при этом оставляло желать лучшего. Тогда же появились предшественника панка — музыканты, которые записывали наиболее агрессивные и «грязные» пластинки.

Варган

Первые варганы были найдены в Азии, а некоторые — и в Океании. Самому древнему варгану, найденному в руинах города Шимао уезда Шеньму в Китае в 2018 году, около 4 тысяч лет. Но это не значит, что этому типу инструмента только 4 тысячи лет, так как варганы делались из примитивных сплавов, легко ржавеющих в земле. За короткое время они полностью истлевали, и оставались только декоративные элементы из костей. Варган из Шимао же был сделан из кости, поэтому он так хорошо сохранился.

Кстати, у многих людей этот музыкальный инструмент, благодаря вестернам вроде «Долларовой трилогии» и музыке для этих фильмов, написанной Эннио Морриконе, ассоциируется с индейцами. Но на самом деле в Северную Америку варганы привезли только во времена колонизации в XVI–XVII веках. На них выменивали пушнину и другие интересные испанцам, британцам и французам товары. В Европе варган был распространён с XI по XIX век, а в России этот инструмент появился приблизительно в XIII веке.

Варган — это инструмент, из которого звук извлекается с помощью колеблющегося в проёме рамки язычка. Инструмент состоит из металлического язычка, закреплённого одним концом на металлическом каркасе, деки и крючка. Каркас служит для закрепления варгана перед зубами. Чтобы извлечь звук, нужно установить варган в ротовую полость, прижать к передним зубам и начать двигать пальцем по язычку. При этом между зубами должен оставаться промежуток, который позволит беспрепятственно проходить язычку варгана.

Варган всегда считался инструментом шаманов. Благодаря умелому изменению тембра, можно ввести человека даже в подобие транса, чем и пользовались многие северные народы, вызывая таким образом духов. Резонатором в данном инструменте служит не его конструкция, как, к примеру, в гитаре, а ротовая полость: изменяя положение рта и дыхание, можно достигать разного звукового спектра — от достаточно тонких звуков до «сочного» баса.

Если ты хочешь научиться играть на варгане, но не знаешь что выбрать, то можешь воспользоваться советами экспертов. К примеру, на сайте в разделе FAQ достаточно подробно описаны виды этого инструмента и то, какой звук из них можно извлечь. Кстати, у Обертон Про есть школа, где обучают игре на варгане. И если ты хочешь не просто дёргать язычок и прыгать вокруг костра, а извлекать ровный красивый звук, то стоит поучиться игре на этом инструменте.

Откуда появились символы других ключей

В современной классической пятилинейной нотации используют такие типы ключей: ключ «соль», ключ «фа» и ключ «до». Обозначающие их символы произошли от латинских букв, которыми записывали соответствующей ноты.

Ключ «соль» происходит от латинской буквы G, ключ «фа» произошел от упрощенного обозначения латинской F, а ключ «до» – от латинской C, обозначающей ноту «до».

Настоящее произведение искусства в мире аудиоплееров – FiiO X7 II

За вывод звука отвечает восьмиканальный ЦАП с компенсацией гармонических искажений. Бескомпромиссное звучание обеспечивают три отдельных кристаллических генератора частот. На выходе установлен абсолютно новый усилитель с обычным и балансным выходами.

Запись

Самая старая песня в мире…

Хотя базовое воссоздание песни было выпущено позже, новую запись исполнил музыкант и композитор Майкл Леви, который, согласно Mail, сосредоточен на «интенсивном исследовании и воссоздании древних техник игры на лирах древности…»

Хотя археологам удалось раскопать целых 29 табличек (что, согласитесь, немало) во время проекта в 1950-х годах, только один из текстов сохранился достаточно хорошо, чтобы его можно было реконструировать:

Энн Драффкорн Килмер, Ричард Л. Крокер, Роберт Р. Браун – «Звуки из тишины последние открытия в древней музыке Ближнего Востока»

Музыка из текста хурритских гимнов H6, таким образом, является старейшим известным примером фактического музыкального произведения, датируемого примерно 3400 лет назад, которое может быть интерпретировано и исполнено снова сегодня, спустя столь огромное количество лет!

Experimental music: Cage and Beyond.

Книга английского композитора, а в то время еще только музыкального критика, Майкла Наймана была впервые издана в 1974 году и описывает тот период в музыке 50-60-х годов, которую создавали, главным образом, американские и английские композиторы.

Термин «экспериментальная музыка», объединяющий ряд композиторов, в противопоставление европейскому авангарду того времени (Булез, Штокхаузен, Ксенакис, Ноно, Берио, Буссоти), впервые обозначил Джон Кейдж примерно в 1955 году. Начало экспериментальной музыки Найман датирует первым исполнением произведения «4’33» Джона Кейджа. Принцип противопоставления экспериментальной музыки европейскому авангарду состоит в понимании того, что значит сам акт сочинения музыки. По словам Кейджа, экспериментальная музыка предполагает «действие, результат которого заранее неизвестен». То есть в сочинении музыки процесс начинает играть гораздо более важную роль, чем результат. Как пишет Найман, экспериментальные композиторы интересовались очерчиванием поля, в котором должна действовать композиция, определением ситуации, в которой возникает звук. Все эти условия могут создаваться в процессе исполнения, чем и занимались «импровизационные» композиторы экспериментальной музыки. Принцип, по которому случайная ситуация или набор факторов, непроизвольно создаваемых исполнителем в процессе исполнения произведения,так и называется Найманом — «процесс».

Экспериментальная музыка начинает использовать немузыкальные средства выразительности и взаимодействовать с другими художественными практиками, в то время как представители европейского авангарда в это время в большинстве своем занимаются сериализмом (который не нужно путать с серийной техникой вообще), изобретенным еще учениками Шенберга Албаном Бергом и Антоном Веберном. Неслучайно Брайан Ино в предисловии к книге пишет о том, что многие встречи композиторов экспериментальной музыки в то время проходили в большинстве художественных школах. В книге приводятся описания нескольких художественных акций, которые Джон Кейдж осуществлял совместно с группой Флюксус, в том числе знаменитое представление в колледже Блэк Маунтэйн в 1952 году, которое некоторые исследователи считают первым хэппенингом в истории искусства.

Большинство композиций сегодня длятся порядка 3-4 минут

Такие композиции, как правило, надоедают довольно быстро и переходят в разряд музыки, которую можно слушать на фоне, занимаясь какими-то другими делами. Но часто хочется просто погрузиться в музыкальное произведение и качественно его проживать, отключиться от окружающего мира и слушать одну композицию.

Если хотите надолго погрузиться в музыкальное произведение, то есть трек, на полное прослушивание которого у вас уйдет 1000 лет. Это одна из любимых композиций Чака Нориса, он слушает ее каждый день перед сном. Автор этого произведения Джем Файнер, песня называется «Longplayer».

Сам трек написан для уникального и довольно экзотического инструмента – поющих чаш. Это такая своеобразная разновидность колоколов, которая дает очень сочное и богатое звучание. Исполняет эту композицию запрограммированный компьютер.

Вообще оригинальная композиция длиться 20 минут и 20 секунд, но компьютерная программа по определенном алгоритму обрабатывает трек так, что в итоге получается, что в течение 1000 лет звучание всегда будет оригинальным.

Nirvana

Карьера Nirvana была недолгой, но Кобейн и ко добились ошеломительного успеха. Группа стала фантастически популярной и по праву может претендовать на звание лучшей за всю историю.

Музыка Курта Кобейна до сих пор находит отклик в сердцах слушателей. А песня Smells Like Teen Spirit считается лучшей популярной песней всех времен.

Nirvana в своем творчестве сумела объединить бескомпромиссную подачу, понятность для массовой аудитории и актуальность поднимаемых в лирике тем.

Nirvana — главная группа для поколения 90-х, но даже сейчас молодые 18 и 20-летние юноши и девушки находят в «нирвановских» песнях что-то свое, близкое и понятное.

1859 год

Музыкальная драма Вагнера «Тристан и Изольда»

Мальвина и Людвиг Шнорр фон Карольсфельд. Первые исполнители заглавных партий в опере «Тристан и Изольда». Фотография Йозефа Альберта, 1865 год

Этапное сочинение как для музыкального театра, так и для музыкального искусства в целом. Несмотря на то что к этому моменту были готовы уже первые две части «Кольца Нибелунга», в которых Вагнер уже воплотил свой план реформы музыкального театра со сквозным развитием, отсутствием деления на арии и речитативы, лейтмотивной системой При этой системе не только каждому персонажу или сценической ситуации, но даже предмету или чувству присваивается определенный мотив или гармонический оборот, возникающий всякий раз, когда композитору необходимо напомнить о нем. Количество лейтмотивов в операх Вагнера может превышать пятьдесят. Хотя лейтмотив не изобретение Вагнера и сам он этим термином никогда не пользовался, эта техника была для него одной из важнейших. в оркестровой партитуре, именно «Тристан» и по сей день остается одним из самых смелых оперных творений за всю историю развития оперного театра. Необычайно медленное развитие сюжета, натуралистическое для своего времени изображение эротических переживаний в музыке, а главное, резко обозначившийся распад в использованных композитором выразительных средствах сделали это пятичасовое сочинение рубежным для музыкального театра, бесповоротно похоронившим старую модель XVIII века и вынудившим композиторов следующего поколения искать новых путей. Мимо открытий Вагнера не мог пройти даже пожилой Верди («Отелло», «Фальстаф»), не говоря уже о Пуччини, Рихарде Штраусе и Клоде Дебюсси. С этого момента Германия становится источником революционных идей не только в инструментальной музыке, но и в музыкальном театре, окончательно потеснив своего главного музыкального соперника — Италию.

Увертюра к опере Вагнера «Тристан и Изольда»

Как давно появилась музыка (adsbygoogle = window.adsbygoogle || []).push({});

Как появилась музыка? Когда человек начал заниматься ею? Для певческих навыков следует уметь держать под контролем частоты высоты звука. Исследования закостенелых черепов и челюстей древних обезьян выявили, что предок современного человека и неандертальца обладал способностью петь. Делал он это или нет, узнать невозможно.

Не маловажной частью музыки есть ритм. Древние люди создавали ритмические мотивы при помощи хлопков ладошками

Это могло служить для появления древних музыкальных инструментов – стук палок или камней друг о друга, и рукам не так больно.

Первые инструменты создавали также из мягких материалов, которые не смогли сохраниться до нашего времени – камыш, дерево. Самые древние музыкальные археологические находки, которым от 39 до 44 тысяч лет, сделаны из костяных трубок птиц лебедей и коршунов. Прочие находки инструментов были обнаружены в неожиданных местах. К примеру, есть факты, свидетельствующие о том, что древние мастера пробивали отверстия в сталактитовых пещерах для резонансной частоты звуков.

Как появилась музыка

Точной исторической даты нет, когда человек заиграл на музыкальных инструментах и начал петь. Если придерживаться теории Маркса и Энгельса, происхождение музыкальных звуков возникло в древности при выкрикивании, чтобы синхронизировать действия группы людей выполняющих сложную совместную работу, где обязательно нужна слаженность.

Например: группе человек требуется перетащить тушу животного, убитого на охоте, либо передвинуть большой камень для того, чтобы прикрыть вход в пещеру. Пение также способствовало улучшению монотонной работы. В итоге отдельные наблюдательные особи заметили, как красиво поют птицы, и начали задумываться о придумывании своего особенного мотива.

Барокко

Одна из первых ассоциаций, возникающих у людей при этом слове, — пышные дворцы Санкт-Петербурга, что совсем не является ошибкой. Богатый орнамент – один из главных признаков барочной архитектуры, который можно с лёгкостью найти на фасадах Воронцовского, Шереметьевского или Зимнего дворцов. В музыке тоже самое, однако увидеть и пощупать блеск роскоши, в отличие от архитектурных построек, можно лишь в воображении.

Само слово «барокко», согласно исследованиям лингвистов, происходит от португальского perola barroca и значит «жемчужина или раковина причудливой формы». И действительно, отсутствие симметрии при наличии богатства, грации и взятой от Возрождения светской индивидуальности – постулаты живописи Караваджо или музыки Баха. Авторская анонимность, какую-либо область искусства вы не взяли, уходит в небытие. Людям интересно знать, кто пишет столь чудесную картину или виртуозно исполняет собственное музыкальное произведение. Существование музыканта в контексте ансамбля, где каждый инструмент проводит свою линию, уходит на второй план, выдвигая вперёд сольное исполнение, целью которого становится высказывание исключительно при помощи звуков. Подобный вид музицирования даже породил теорию музыкальной риторики, ставившей задачу в обучении музыканта выразительной игре. Сложность же для периода, в котором уже начинала разгораться борьба с классицизмом за лидерство, заключалась в налаживании диалога со слушателем, ранее воспринимавшем музыку либо как оркестровое исполнение, либо как танцевальное дополнение.

Авторская музыкальная индивидуальность могла принимать самые разные формы, потому противников подобного течения тоже было много. Доходило до того, что слово «барокко» использовалось в чисто негативном контексте для описания «непонятной» музыки. Жан-Жак Руссо в «Музыкальном словаре» за 1768 год называет барочное течение «странным», «необычным», «причудливым», а Генрих Кристофор Кох спустя почти 30 лет характеризует явление «барокко» как «варварскую готику» с присущей ей «спутанностью» и «высокопарностью». Многие видели в хаосе сотен авторских композиторских стилей неоднозначность, именно поэтому к середине XVIII века главным течением в музыке становится классицизм.

Никто ничего не знает

Самуэль Дорф (Samuel Dorf), адъюнкт-профессор музыковедения, Дейтонский университет.

Вероятно, вам это не понравится, но вот мой ответ: я не знаю и никто не знает. Более того: мне все равно и вам тоже должно быть.

Самые ранние вещественные доказательства того, что люди сочиняют музыку — это фрагменты дудок из птичьих костей, найденные глубоко в пещерах Швабских Альп и сделанные примерно 40 000 лет назад. Используя только каменные орудия, археологи кропотливо воссоздали дудки из костей стервятника, узнали о том, как они были сделаны, а также о звуках, которые они способны создавать. Однако реконструкция инструмента ничего не говорит нам о том, как звучала сама музыка.

Найденная в пещере костяная трубка говорит нам о музыке, которую на ней играли, столько же, сколько лежащая в переулке пластиковая вилка расскажет о еде, которой наслаждался державший ее человек. Картофельное пюре с подливкой ею можно было зачерпнуть так же легко, как и нанизать вишенку мараскино в мороженом с фруктами.

Точно так же и костяная трубка, в которой отсутствует важнейший элемент звукоизвлечения, мундштук или трость, не может сказать нам, как звучала музыка. Однако для современных музыкантов это может быть вызовом — представить старинную музыку, используя такие инструменты.

Альбом немецкой флейтистки Анны Фридерике Потенговски (Anna Friederike Potengowski) 2017 года «The Edge of Time: Paleolithic Bone Flutes from France & Germany» (Spotify) делает именно это. Она использует эти древние инструменты не для воссоздания звуков прошлого, а для того, чтобы представить новую музыку новым слушателям, используя подобие древних инструментов.