10 современных художников, пишущих странные и страшные картины

Реактивное искусство

Таринан фон Анхальт, проживающая во Флориде, не захотела воспользоваться ни одой из существующих техник рисования и нашла свой способ для самовыражения. Вернее, у истоков новаторства стоял ее супруг, австрийский принц Юрген фон Анхальт. Он придумал стиль «Jet Art», что в переводе означает «реактивное искусство». После его смерти дело подхватила уже супруга.

В чем же смысл задумки? В качестве «кисти» используется сила турбореактивного самолетного двигателя. Подхватываемая горячими потоками воздуха, краска самопроизвольно расплескивается на холст, создавая так называемый рисунок-импровизацию. Повторить его невозможно, поэтому каждая картина в своем роде уникальная.

Чтобы сталь обладателем подобной живописи, нужно быть готовым выложить из кармана немаленькую сумму. В среднем работы художницы стоят 50 тыс. долларов. А чтобы создать очередной шедевр, ей приходится облачаться в специальный термокостюм. Затем часами стоять под соплами двигателя, противостоя силе ветра и поднимая тяжелые ведра с краской.

Багровые полотна

Виниций Кесада прославился тем, что рисует свои картины кровью. Причем забор «материала» делается только из своих вен, для чего он каждые два месяца ходит в больницу. В его распоряжении оказывается 450 мл крови, поэтому количество картин в коллекции художника пока невелико. Чтобы восстановить силы, маэстро вынужден был временно приостановить свою творческую карьеру в 2016 году, но это совершенно не значит, что дело не будет продолжено.

Такое искусство стало для многих шоком. С одной стороны, нельзя не отметить профессиональное мастерство, с которым Кесада творит свои шедевры, с другой — необычный способ создания картин вызывает непроизвольное отвращение. Внутри зрителя происходит борьба, что еще больше усиливает эффект от просмотра выставки. К тому же художник признается, что использует также и мочу для получения разных оттенков красного.

Дадо

Югославец Дадо родился в 1933-м году и умер в 2010-м. На первый взгляд его работы могут показаться совершенно обыкновенными или даже приятными — это из-за выбора цветовой гаммы: многие хоррор-художники выбирают чёрный или красный, а Дадо любил пастельные оттенки.

Но присмотритесь к таким картинам, как «Большая ферма» 1963-го или «Футблолист» 1964-го года, и вы увидите на них гротескных существ. Их лица полны боли или страдания, на телах видны опухоли или лишние органы, или же тела просто неправильной формы. На самом деле картины вроде «Большой фермы» пугают куда больше, чем явный ужас — именно из-за того, что с первого взгляда ничего ужасного в них не замечаешь.

Художник Владимир Казак: прикольные картинки в стиле пин-ап

Современный русский художник Владимир Казак (Вальдемар Казак), рисует необычные картины в стиле пин-ап. Он предает своим работам не только антураж и эпатажность 21 века, но и критикует социальные стереотипы современного общества. Его прикольные картинки на праздник «День Святого Валентина» отражает всю моральную абсурдность этого общественного торжества любви. Другая его работа «День учителя», также наполнена сюжетом социальной критики, и насыщенна множеством мелких деталей, по которым можно оценивать глубину идеи этого русского художника.

Инстаграм Владимира Казака: @waldemar_kazak

Какие тренды в современном искусстве сейчас существуют

Казалось бы, когда вокруг столько разных видов искусства, начиная с инсталляции и заканчивая видеоартом, традиционные рисованные картины могли бы потерять свою актуальность. Но на удивление этого не произошло. Напротив, картины пользуются большим спросом, их продолжают писать и продавать за большие деньги.

Предметом современного искусства может быть что угодно

И это не преувеличение. Что бы вы в данный момент ни увидели около себя – этот предмет может стать предметом искусства, если придать ему определенный смысл и начать воспринимать через эмоции.

Новые программы, превращающие картины с планшетов в настоящие полотна из масла

Многие современные художники создают свои картины на планшетах. Благодаря определенным программам позже эти изображения можно распечатать и превратить в настоящие полотна.

Немецкий художник Георг Базелиц

Георг Базелиц (Georg Baselitz) родился 23 января, 1938 года в городе Каменц, коммунальной общины Дойчбазелиц. От места своего рождения и происходит творческий псевдоним художника, настоящие имя которого Ханс-Георг Керн. Современный художник учился в Высшей Школе искусств в Восточном Берлине. Однако в 1957 году был исключен из-за незрелости политических взглядов. Переехав в ФРГ, Георг Базелиц все же получил высшее образование и закончил аспирантуру в области изящных искусств в 1962 году. В этот же период он официально сменил фамилию на Базелиц. Первую свою персональную выставку Георг провел в 1963 году. Его работа «Большая ночь в канаве» вызвала неоднозначную критику и немецкого художника обвинили в творческой непристойности. На данный момент эта необычная картина находится в музее Людвига в Кельне, Германия.

Самым узнаваемым стилем и техникой живописи художника являются перевернутые абстрактные фигуры в его картинах, которые он начал рисовать с 1969 года. В это же время Базелиц приступил к созданию масштабных скульптурных инсталляций из окрашенного дерева. Георг Базелиц является современным абстрактным художником, который пытается реабилитировать это направление живописи, вводя в сюжеты своих работ более узнаваемые фигуры и образы. Он использует нарочито грубый стиль, напоминающей по своей технике некоторые работы психологического кубизма Джорджа Кондо, но отличающийся от последнего явно выраженным экспрессионизмом.

«Девушки из Олмо II», 1981, масло, холст
«Ухмылка Гринберга», 2013, масло, холст
«Пожиратель апельсинов», 1981, масло, холст
«Очень большой Франц Пфорр», 2006, масло, холст

«Явление лица и вазы с фруктами на берегу моря»

Раз в начале речь уже зашла о живописи, в которой оптическая иллюзия стала неотъемлемым элементом композиции, где, как в работах художника Шупляка, изображенное дерево способно предстать одновременно абрисом головы, а листья — превратиться в воробья на ветке, нельзя забывать и о Сальвадоре Дали. Этот испанец стал первым представителем близкого к сюрреализму стиля метаморфоз, нашедшего отражение не только в живописи и графике мастера, но и в созданных им скульптурах.

Отдельный интерес представляет написанное маслом полотно Дали со своеобразным названием «Явление лица и вазы с фруктами на берегу моря», полностью, однако, отражающим суть происходящего на картине безумства преображений. Зритель видит на первый взгляд обычный натюрморт, где в центре композиции расположена белая ваза с фруктами. Ее ножка внезапно предстает в качестве переносицы гротескного, но красивого человеческого лица, сверху очерченного то ли волосами, то ли песчаным пляжем, а то и вовсе горной грядой с расположенным у подножья городом. Приглядевшись, внимательный ценитель живописи найдет на полотне еще и пару собак.

Позднее по «пути метаморфоз» в творчестве пошел и мексиканец Октавио Окампо, прославившийся собственными картинами-загадками в жанре сюрреализм.

Recycle

View on Instagram

Еще один успешный творческий дуэт – Андрей Блохин и Георгий Кузнецов. Их арт-объекты выглядят монументальными, но при этом проработанными до мельчайших деталей, и напоминают античные скульптуры. Да и в самих образах художники в самом деле используют античные и религиозные мотивы. Они органично переплетаются с цифровой реальностью и новыми технологиями – это одна из ведущих тем в творчестве арт-дуэта. Отношениям человека и технологий посвящен не один проект Recycle. Их основные жанры – скульптура и барельеф, но можно найти и мозаику, и инсталляции, и работы в смешанной технике. Объемные серые, белые или черные фигуры с редкими яркими вставками и деталями, отсылки к современной культуре и узнаваемые образы (например, логотип фейсбука или персонажи мультсериалов) – так выглядит творчество этих авторов.  

View on Instagram
View on Instagram

«Звездная ночь», 1889

«Звездная ночь», Винсент Ван Гог, 1889

Художник

Нидерландский художник с детства был тонко чувствующим и замкнутым ребенком. В юности он семь лет занимался оценкой и продажей картин в фирме своего дяди, где и обнаружил страсть к рисованию. Однако коммерция и искусство были для него несовместимы. Будучи сыном священника, он решил пойти по стопам отца: трижды пытался получить теологическое образование, но обостренное чувство прекрасного и справедливого не позволяло ему ладить с людьми.

Потерпев очередную неудачу, Ван Гог сосредоточился на творчестве и решил создать вместе с Полем Гогеном свою мастерскую. Но регулярные конфликты чувствительного Винсента с жестокой реальностью в итоге окончательно вывели его из равновесия: в 1889 году художник попал в психиатрическую лечебницу. Там он прожил год и написал большую часть своих картин. Через несколько месяцев после выхода из лечебницы Ван Гог, по основной версии, покончил жизнь самоубийством, выстрелив в себя из револьвера.

История

В мае 1889 года, во время очередного обсуждения планов с Гогеном, Ван Гог внезапно пришел в неистовство и набросился на друга с бритвой в руках. До конца не ясно, что именно произошло, но позднее ночью Винсент отрезал себе мочку уха. Его забрали в психиатрическую лечебницу в Арле, где через месяц после происшествия художник написал картину «Звездная ночь». И хотя Ван Гог изобразил вид из окна больницы, большая часть экспозиции вымышленная: ему было видно только пшеничное поле и небо.

Стиль

Ван Гог был постимпрессионистом. Художники этого направления стремились отойти отточного изображения предметов иотимпрессионистской фиксации момента. Для них напервом месте стояла задача показать фундаментальные смыслы, используя цвет иформы. Точность визображении реальных объектов теперь тоже была необязательна— главным стало выразить идею.

Вслучае скартиной Звездная ночь сам Ван Гог никак непояснял свою задумку. Искусствоведы полагают, что огромные вихреватые звезды отсылают крелигиозным чувствам: размышлениям оконце бытия, овечности

Важно отметить, что картина была написана накануне острого приступа Ван Гога виюле 1889 года: возможно онтворил всостоянии обостренного восприятия

Интересные факты

• Хотя картина стала одним изизвестнейших полотен Ван Гога, онвпереписке схудожником Эмилем Бернаром назвал её провалом. Ван Гог стремился писать снатуры иизбегать таких абстрактных элементов, как, например, завихрения света звезд.
• Самая яркая звезда накартине, расположенная справа откипарисов,— Венера, которая, помнению исследователей, действительно была таковой втовремя вПровансе.

Швейцарская художница Луиза Боннет

Лучшие современные художники мира поэтому и являются таковыми, что бросают вызов классическим школам предыдущих эпох в изобразительном искусстве. Швейцарская художница Луиза Боннет (Louise Bonnet), наряду с такими известными художниками сюрреализма, как Войцех Сюдмак, Рафал Олбински и Джим Уоррен, практически до неузнаваемости изменяет этот стиль авангардного искусства.

Луиза Боннет родилась в Женеве, где и закончила Высшую Школу искусств и дизайна. В 2008 году она начала свою творческую карьеру, паралельно работая дизайнером-иллюстратором. Первая ее персональная выставка прошла в галерее «Subliminal Projects» в Лос-Анджелесе. Все работы Боннет акцентированы на изображении человеческого тела с особым видом экстремальной сексуальности и физическими преувеличениями в сюрреалистических сюжетах ее необычных картин. Фигуры в ее работах имеют отчетливую, но противоречивую грань между красотой и уродством, абсурдом и физической реальностью, заключенные в творческую обертку большой театральной комедии.

«Красный плакальщик», 2020, масло на льне
«Оранжевый интерьер», 2019, масло на льне
«Розовое одеяло», 2019, масло на льне
«Циклоп», 2018, масло на льне

Франсиско Инфанте-Арана

View on Instagram

Несмотря на имя, напоминающее что-то испанское, Франсиско родился в России – в Саратовской области, – а его отец действительно был испанцем-эмигрантом. Инструмент этого художника – отнюдь не кисти и краски. Инфанте создает кинетические арт-объекты. То есть работы, которые как-то взаимодействуют с окружающей действительностью и меняются под ее влиянием. Чаще всего (и это уже узнаваемая особенность автора) он использует зеркала. Франсиско внедряет их в природное пространство, а после – фотографирует. Получается невероятно – инсталляции играют со светом и тенью, отражают все, что находится вокруг. Создается ощущение, что зрителя отправляют прямиком в параллельную реальность – а порталом служат эти самые зеркала, правильно расставленные художником. Вода, степь, лес, поле и еще разнообразное множество пейзажей стали объектами вдохновения Франсиско – и частью его творений. Зеркало же позволяет экспериментировать с перспективой, искажениями, иллюзией.

View on Instagram

Работы Франсиско Инфанте экспонировались в Третьяковской галерее, Русском музее, ГМИИ им. А.С. Пушкина, многих других галереях в России, а также в музеях США, Великобритании, Франции, Японии и Кореи.  

View on Instagram

Хонг Йи

Необычной техникой рисования от коллег по цеху отличается и молодая китайская художница и архитектор Хонг Йи. Родившаяся на Борнео девушка, успевшая попутешествовать по миру и пожить в Нидерландах и Австралии, в собственном творчестве готова, кажется, использовать любой попавшийся под руку предмет. Для воплощения собственных идей китаянке подходит что угодно. Кроме привычных инструментов художника — кистей.

Несмотря на материалы, применяемые при создании шедевров, произведения Хонг Йи смотрятся на удивление реалистично. Будь это выложенный кусочками огурца на тарелке безымянный пейзаж или нарисованный с помощью баскетбольного мяча портрет выступавшего за «Хьюстон Рокетс» баскетболиста Яо Мина. Художница любит изображать лица — их она «рисует» с помощью вырванных из книг листов, кофейных пятен, тающих свечей, палочек для еды и даже носков. В коллекции работ Хонг Йи найдутся портреты многих знаменитостей, начиная с Джеки Чана и Чжан Имоу и заканчивая певицей Адель и Марком Цукербергом.

Портрет художника (бассейн с двумя фигурами)

Художник: Дэвид Хокни

Год: 1972

Портрет художника (бассейн с двумя фигурами) (1972) — Дэвид Хокни

Поп-арт был влиятельным движением искусства 20-го века, которое включало в себя изображения из популярной культуры. Дэвид Хокни считается одним из самых выдающихся деятелей движения поп-арт и эта картина является одной из самых известных его работ. Бассейн был постоянным мотивом на картинах Хокни, когда он писал серию двойных портретов с 1968 по 1977 год. Таким образом, эта картина объединяет две выдающиеся темы Хокни в его картинах того периода: бассейн и двойной портрет. «Портрет художника» изображает две фигуры: одна плывет брассом под водой, а другая смотрит на пловца. Человек за пределами бассейна одет в строгую одежду. В ноябре 2018 года «Бассейн с двумя фигурами» был продан за 90,3 миллиона долларов США на аукционе Christie’s в Нью-Йорке, что стало рекордом по самой высокой цене, когда-либо уплаченной на аукционе за картину живого художника.

Адская фантазия

Уэйна Барлоу можно смело называть адским художником, причем не только в переносном, но и прямом смысле. Никто не может остаться равнодушным к его картинам, какими бы страшными они не выглядели со стороны. Даже сам Данте не сравнится с диким воображением талантливого и немного «двинутого» на голову американца, который вот уже несколько десятков лет является в центре внимания мировой художественной тусовки, а также кинематографистов, журналистов и издателей.

Джеймс Камерон, вдохновившись картинами Барлоу, пригласил его к сотрудничеству. Именно из-под «пера» художника вышли все герои животного мира Пандоры в фильме «Аватар», побившего все рекорды кассовых сборов. Принимал участие он и в разработке фильма «Тихоокеанский рубеж», а также саги о Гарри Поттере. На счету мастера сотни иллюстраций к журналам и обложкам книг, участие в научно-фантастических программах, в том числе и на канале Дискавери.

Герхард Рихтер

Германия

Его полотна уходят с молотка за несколько десятков миллионов долларов. А в прошлом году в прокат вышел фильм «Работа без авторства», посвященный этому немецкому абстракционисту. Кинолента получила премии «Оскар» и «Золотой глобус» за лучшую картину на иностранном языке. Так что же создает Герхард Рихтер? Художник пробовал работать в разных жанрах. На его счету и картины в стиле рекламных плакатов с надписями поверх изображений, и перформансы, и минималистичные монохромные серые прямоугольники, и в конце концов цветные абстракции. Для последних, кстати, он брал за основу серый цвет, к которому относится по-особенному. С помощью него автор выводил разные оттенки зеленого, красного, желтого, синего. Работа с цветом и эксперименты с этим «художественным языком» – важная часть творчества Рихтера. Краски на полотнах немецкого абстракциониста смешиваются, накладываются, соединяются, проникают пятнами друг в друга. Где-то это многочисленные цветные мазки, а другие картины напоминают экранные помехи. 

View on Instagram

Его полотна хранятся в коллекциях парижского Центра Помпиду, галереи Тейт Модерн в Лондоне и MoMA в Нью-Йорке, а витраж украшает Кельнский собор в родной Германии. Кроме того, на Венецианской биеннале в 1972-м году впервые весь павильон страны был отдан одному художнику – им был Рихтер. 

View on Instagram
View on Instagram

AES+F

View on Instagram

Строго говоря, эти ребята – не художники в традиционном понимании. Это междисциплинарная творческая группа. То есть их арт-объекты – это и инсталляции, и фото, и видео, и скульптуры, и что-то еще или даже все сразу. Дело в том, что каждый участник так или иначе связан с разнообразными направлениями в искусстве. Татьяна Арзамасова и Лев Евзович занимались архитектурой, Евгений Святский – графикой и плакатом. А Владимир Фридкес работал в индустрии модной фотографии – и крайне успешно, он сотрудничал с Vogue, Harper’s Bazaar, Elle и многими другими журналами. За плечами художников несколько десятков персональных выставок не только в России, но и в Европе и США. Например, этим летом в Москве прошел виртуальный перформанс по мотивам спектакля британской писательницы – каждый гость становился его участником. АЕС+Ф часто обращаются к искусственной реальности и использованию цифровых технологий в своем творчестве.  

View on Instagram
View on Instagram

Любители мобильных телефонов

Художник: Бэнкси

Год: 2014

Любители мобильных телефонов (2014) — Бэнкси

Бэнкси — анонимный художник-граффити, который, возможно, внес самый большой вклад в популяризацию уличного искусства. Это граффити появилось в апреле 2014 года на стене, принадлежащей мужскому клубу «Широкие равнины» в Бристоле, который боролся за средства и рисковал быть закрытым. Владелец клуба Деннис Стинкомб перенес граффити в коридор, чтобы не украли. Затем Бэнкси предпринял необычный шаг, написав Деннису Стинчкомбу письмо и подтвердив, что произведение искусства подлинное и что он может сохранить его. Стинкомб продал фреску частному коллекционеру за 403 000 фунтов стерлингов. Граффити «Любители мобильных телефонов» показывает мужчину и женщину, обнимающих друг друга. Однако вместо того, чтобы смотреть друг на друга, они смотрят на свои телефоны. Таким образом, автор комментирует одну из самых распространенных проблем, с которыми сталкивается наше поколение, а именно чрезвычайную важность технологий в нашей жизни, когда люди ценят их даже больше, чем других людей. «Любители мобильных телефонов» — одно из самых известных граффити самого известного современного художника

Андрей Богуш

View on Instagram

Этот художник переосмысливает привычную нам фотографию. Например, в своем проекте When Everything Is Over So We Can Discuss Андрей Богуш изменил снимки, сделанные в повседневной жизни, с помощью размытия, цветных полос или пятен, перестановки отдельных частей. Получившиеся изображения он напечатал на коврах и занавесках – так арт-объекты стали не только объемными, но и фактурными. Получается, творчество этого художника – взаимодействие цифровой, виртуальной действительности и нашего физического, реального мира. Цифровые фото – моменты из собственной жизни – Богуш редактирует и «деформирует» с помощью компьютерных программ. Создается такой эффект помех, глитча, смещения. Потом он словно возвращает картинки в физическое пространство – печатает их на разных поверхностях. Работы Андрея Богуша экспонировались в России, Финляндии, США, Исландии, Италии, Великобритании и Швейцарии.  

Макс Зорн

Русского человека упоминание изоленты наводит в первую очередь на мысли об исключительно прикладном применении этого удобного приспособления для скрепления всего и вся. Так и скотч во всем мире воспринимается в качестве того, чем удобно заклеить коробку или что-то где-то зафиксировать. Однако голландец Макс Зорн подошел к этому вопросу с фантазией и нашел липкой ленте лучшее применение.

Житель Амстердама создает удивительные картины, которым не мешает выглядеть потрясающе даже скромная цветовая гамма, диктуемая главными инструментами художника: оргстеклом, заменяющим привычный холст, отточенным скальпелем и скотчем. Напротив, благодаря игре света и тени, которую мастерски создает автор, сюжеты произведений, будь то тропический пейзаж в картине «Парус» или портрет Джона Леннона, приобретают характерный неповторимый налет нуара.

Японский художник Тетсуя Ишида

Художник Тетсуя Ишида (Tetsuya Ishida) рисовал свои картины на стыке 20-21 века. Родился японский мастер фигуративного сюрреализма 16 июня 1973 года, в городе Яидзу, центральной префектуры Сидзуока. Ишида закончил Художественный университет в Западном Токио по специальности визуального дизайна.

В своих работах художник исследует насущные проблемы японского общества, такие как изоляция, урбанистическое одиночество и социальные тревоги. Фигуративные образы в картинах современного японского художника часто сливаются и составляют единое целое с предметами домашнего обихода, техникой и интерьерной мебелью. Вслед за китайским художником Чжаном Сяоганом, японский живописец продолжает восточно-азиатскую ветку современного сюрреализма. Творчество Тетсуя Ишиды стоит на грани между реальностью и сновидением, больше напоминающим фэнтезийные миры фантастического модерна Жана Жиро, но переосмысленного в японском самобытном стиле.

«Пробуждение», 1998, акрил на доске
«В ожидании шанса», 1999, акрил на доске

Боди-арт иллюзии

www.ignant.de

Рисованием не теле в течение многих веков занимались буквально все. Даже древние египтяне и майя пробовали в этом свои силы. Однако боди-арт иллюзии поднимают эту древнюю практику на совершенно новый уровень. Как следует из названия, боди-арт иллюзия подразумевает использование человеческого тела в качестве холста, но на холсте этом создаётся нечто, способное обмануть наблюдателя. Иллюзии на теле могут варьироваться от людей, раскрашенных как животные или машины, до образов дыр или ран, зияющих в теле.

www.telegraph.co.uk

Наиболее ярким представителем этого вида искусства считается художник из Японии Хикару Чо который известен своими необычными, «мультяшными» иллюзиями.

www.lostateminor.com www.telegraph.co.uk www.huffpost.com www.lostateminor.com

Портрет Марии Лопухиной

Среди всевозможных шедевров изобразительного искусства найдутся и те, что приобрели статус странных не благодаря необычным формам отображенных на них предметов (которые заставляют подолгу искать в картине истинный смысл и незаурядную задумку), а из-за связанных с полотнами слухов и легенд. Пример такой художественной работы — изображающая скончавшуюся от чахотки в 1803 году Марию Лопухину картина Владимира Бородиновского, русского портретиста, жившего в XVIII–XIX столетиях и писавшего левой рукой.

Созданное в 1797 году членом Императорской академии художеств полотно внешне мало чем способно удивить. Разве что впечатляющей реалистичностью и портретным сходством. Зато примечательна картина дурной славой, ходящей вокруг нее.

Так, рассказывали, что портрет красивой девушки отбирает молодость у юных дев, взглянувших на него, и даже сводит в могилу. Причину зловредности творения, отправившего (по словам салонных сплетниц) на тот свет не меньше десятка наследниц дворянских фамилий, искали в том, что слывший знатоком мистических дел отец Лопухиной, Иван Толстой, сумел заточить дух умершей дочери в холст. Только приобретение Павлом Третьяковым портрета в коллекцию заставило дурные слухи поутихнуть.

Маркус Левин

Без красок в творческой работе обходится также Маркус Левин, известный в Великобритании и за ее пределами художник и одновременно скульптор. Вместо мольберта и кистей в руках у него молоток и гвозди. Эти инструменты, больше подходящие для строительства, чем для творчества, помогают талантливому англичанину создавать удивительные картины, которые сам автор называет скульптурами. А направление, в котором творит Левин, именуют nail sculpture.

Издали зритель вряд ли уловит, чем отличаются произведения Маркуса от восхитительно четких рисунков или даже фотографий. И только подойдя поближе, заметит, что торс атлета на картине-скульптуре «Шадан», лошадиная голова на «Портрете Альманзора IX» или миловидная «Иветт» вовсе не нарисованы карандашом, углем или чернилами, а сотворены при помощи вбитых в «холст» гвоздей. Дополнительным инструментом сам автор считает также освещение, манипулируя которым возможно добиться как разномастных визуальных эффектов, так и воздействовать на восприятие картин зрителями.

«Обратное граффити»

Paul «Moose» Curtis

Как и рисование на грязных машинах, «обратное граффити» предполагает создание картины с помощью удаления лишней грязи, а не с помощью добавления краски. Художники часто используют мощные моечные установки, позволяющие удалить грязь со стен, и в процессе создать прекрасные образы. Началось всё это с художника Пола «Муза» Кертиса, который нарисовал свою первую картину на чёрной от никотина стене ресторана, в котором он мыл посуду.

Paul «Moose» Curtis

Другой заметный художник — Бен Лонг из Великобритании, он практикует несколько упрощённую версию «обратного граффити», используя собственный палец для удаления грязи со стен, скопившейся там из-за выхлопов машин. Его рисунки держатся на удивление долго, до шести месяцев, при условии, что их не смоет дождь или не уничтожат вандалы.

Ben Long / mediacentre.kallaway.co.uk

Следует отметить, что «обратное граффити» — искусство достаточно спорное. У того же Кертиса, например, уже было несколько стычек с полицией, которые он сравнивает с «арестом человека, ковыряющегося палкой в песке».

Китайская живопись Цзя Айли

Начиная с нулевых годов Китай стал вносит свой неоценимый вклад в формирование плеяды лучших современных мировых художников. Живописцы из Поднебесной работают во всех основных стилях изобразительного искусства и некоторые из них занимают первые позиции по популярности и всеобщему признанию в мире живописи. Китайский художник Цзя Айли пишет свои картины в двух направлениях, одно из которых имеет ярко выраженный абстракционизм, а второе претендует на классификацию его работ в стиле фэнтезийного жанра Эда Эмшвиллера. Героями картин восточно-азиатского художника часто бывают китайские пионеры и в целом молодежь Поднебесной. Нередко художник изображает в своих картинах постапокалиптические миры и актуализирует идеи избавления человечества от атомного оружия.

Художник Цзя Айли (Jia Aili) родился в Даньдуне, Китай, в 1979 году. На данный момент китайский живописец живет и работает в Пекине. В 2004 году он окончил Академию Изящных Искусств Лу Сюня, где впоследствии стал преподавателем. С 2007 года Айли сосредоточил свою работу исключительно на карьере художника.

Выставка Цзя Айли в «Gagosian Gallery», 2019, Нью-Йорк
«Божественное государство», 2012, масло, холст
Без названия, 2012, масло, холст
Без названия, 2015, масло, холст

Похожие записи:

50 лучших пляжей мира в 2019 году Список лучших фильмов про рок-группа Какая часть россии утонет при глобальном потеплении «пила»: все фильмы серии от худшего к лучшему 10 главных российских спортсменов прямо сейчас Лабрадудль — все о породе